Upper Belvedere, Vienna

Intervention: Christian Hutzinger
24 April > 20 September 2009

This new exhibition series envisaged for the Upper Belvedere and entitled Intervention was launched in spring 2007. Twice a year, contemporary artists from Austria have since then been invited to relate their own works to the Belvedere’s building and holdings.

Christian Hutzinger

Christian Hutzinger
Untitled, 2009
Wall painting
© VBK, Vienna 2009
Photo: Wolfgang Woessner

These interventions offer visitors new and unusual insights into the institution’s permanent collections, encompassing the periods from the Middle Ages to the20th century.

From April onwards, Christian Hutzinger is going to present a wall painting conceived especially for the Upper Belvedere’s Baroque orchestra corridor.

In his works, the Viennese artist starts out from geometric forms, bows, and knots, which he subsequently reorganises into new formal patterns through variation and repetition.

The basic architectural form of the orchestra corridor’s curved window frames serves as the starting point for Hutzinger’s intervention: it will be projected onto the walls covered in two shades of blue as an ornamental element.

Christian Hutzinger

Christian Hutzinger
Untitled, 2009
Wall painting
© VBK, Vienna 2009
Photo: Wolfgang Woessner

Christian Hutzinger

Christian Hutzinger
Untitled, 2009
Wall painting
© VBK, Vienna 2009
Photo: Wolfgang Woessner

Christian Hutzinger

Christian Hutzinger
Untitled, 2009
Wall painting
© VBK, Vienna 2009
Photo: Wolfgang Woessner

Images© VBK, Vienna 2009

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Stampfli & Turci – Art Dealers

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Unteres Belvedere, Wien

Ferdinand Georg Waldmüller
9. Juni > 11. Oktober 2009

Ferdinand Georg Waldmüller (1793 – 1865) war der bedeutendste österreichische Maler der Biedermeierzeit. Ob in der Eroberung der Landschaft und in der daraus resultierenden glaubhaften Wiedergabe von Nähe und Ferne, ob in der treffenden Charakterisierung des menschlichen Antlitzes, ob in einer detailgetreuen, fein erarbeiteten Zeichnung von stofflichen Details oder in der launigen Schilderung des Bauernalltags: Seine Werke waren für eine ganze Künstlergeneration richtungweisend – schildernd, erklärend, moralisierend und sozialkritisch zugleich. Auch mit seinem Eintreten für das Naturstudium und die Freilichtmalerei und damit gegen die akademische Maltradition wies Waldmüller weit in die Zukunft.

Ferdinand Georg Waldmüller

Ferdinand Georg Waldmüller
Sitzendes Mädchen in weißem Atlaskleid, 1839
Öl auf Holz – 32 x 26,5 cm
Wien Museum
© Wien Museum

Das Belvedere ist im Besitz des Waldmüller-Archivs und der weltweit größten Sammlung seiner Werke. In der rund 120 Gemälde umfassenden Retrospektive werden die Hauptwerke aus der Sammlung des Belvedere durch Leihgaben aus nationalen und internationalen Sammlungen ergänzt. Einige bislang verschollen geglaubte Gemälde werden erstmals öffentlich präsentiert.

Ferdinand Georg Waldmüller – Künstler und Rebell

Ferdinand Georg Waldmüller, geboren am 15. Jänner 1793 in Wien, war ein ruheloser Künstler, der bis ins hohe Alter malte und mit über 1.200 Werken ein umfassendes OEuvre hinterließ. Bereits früh hatte er einen Realismus ausgeformt, der damals nicht nur in Wien ohne Beispiel blieb. In der Folge genoss er über die habsburgische Monarchie hinaus hohes Ansehen, vor allem in Deutschland, später auch in England.

Waldmüller schuf Porträts, Landschaften, Stillleben und Genreszenen und lieferte in jedem dieser Bereiche Hauptwerke. Sein höchstes Ziel war die ehrliche Schilderung von Mensch und Natur. Doch nicht nur damit schuf er sich Gegner, sondern auch mit seiner unkonzilianten Art, denn leicht machte er es niemandem, weder sich selbst noch seinen Mitmenschen. So lieferte er mehrere Entwürfe für die Neuorganisation der Kunstakademie, setzte sich für die Anerkennung zeitgenössischer Kunst ein und übte sowohl an seinen Kollegen, den Akademieprofessoren, als auch an der Obrigkeit Kritik.

Ferdinand Georg Waldmüller

Ferdinand Georg Waldmüller
Die Erwartete, um 1860
Öl auf Holz – 81,1 x 63,2 cm
Bayerische Staatsgemäldesammlungen, München Neue Pinakothek
© Bayerische Staatsgemäldesammlungen, München Neue Pinakothek

Ferdinand Georg Waldmüller

Ferdinand Georg Waldmüller
Bautagelöhner erhalten ihr Frühstück, 1859/60
Öl auf Holz – 53 x 44 cm
Wien Museum
© Wien Museum

Im Gegenzug wurde ihm Eigennutz vorgeworfen, außerdem versuchte man – wohl aus Rachegelüsten – seine Kunst zu desavouieren, indem man das Malen im Freien sowie die Wiedergabe von Sonnen- und Tageslicht als unakademisch und demnach unwürdig herunterspielte. Gerade mit diesen Ambitionen aber sollte Waldmüller später höchste Verehrung ernten, denn auf ebendiese Leistungen verwiesen die Mitglieder der Wiener Secession, als sie ihn mit der Bezeichnung „Ursecessionist“ zu einem der ihren machten. Seit damals ist seine Wertschätzung ungebrochen, seit damals zählt Waldmüller zu den bedeutendsten Künstlern seiner Zeit.

Entscheidend für Waldmüllers Entwicklung war ein Porträtauftrag, demzufolge er eine alte Frau ohne Beschönigung oder Verschleierung malen sollte, eben „wie sie war“. Die Erkenntnis, die er daraus zog, war nachhaltig, denn von da an war er überzeugt, dass die Natur nur dann authentisch festzuhalten ist, wenn man sie „abschreibt“. Dieses beharrliche Vorgehen äußert sich in jedem Bereich, mit dem sich Waldmüller beschäftigt hat, ob in der Landschaftsmalerei, in der Darstellung von Blumen oder Früchten oder in der Schilderung des täglichen Lebens.

Ferdinand Georg Waldmüller

Ferdinand Georg Waldmüller
Maria Henrietta von Stierle-Holzmeister, Edle von Forstheim, geb. Mierck, die Mutter des Hauptmannes Joseph G. von Stierle-Holzmeister, um 1817
Öl auf Leinwand – 54 x 41 cm
Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie, Berlin
© bpk / Nationalgalerie, SMB, Foto: Jörg P. Anders

Ferdinand Georg Waldmüller

Ferdinand Georg Waldmüller
Lachender Bauernbursche, 1840
Öl auf Leinwand – 50 x 40 cm
Privatbesitz
© Galerie Suppan, Wien

Als sich Waldmüller im formalen Bereich sicher fühlte, suchte er nach dem Atmosphärischen und beschäftigte sich mit dem Licht. Die Sonne Italiens sollte ihn lehren, wie sich die Farbe der Natur unter dem Einfluss der Hitze verändern kann. Drei Reisen in den 1840er- Jahren nach Sizilien ließen ihn erkennen, dass es unter dem südlichen Himmel keine Konturen gibt, kein Weiß, kein Schwarz, keine klaren Farben. Als er diese Erfahrungen dann auf die heimischen Motive in der Umgebung von Wien übertragen wollte, wurde er von seinen Kollegen als „Tollhäusler“ bezeichnet, der nicht fähig sei, hell und dunkel voneinander zu trennen. „Waldmüller kam in seinen alten Tagen auf den Einfall, um eine glänzende Farbe zu erhalten, müsse man im Sonnenlicht malen. Das erklärt wohl die seltsam grelle Farbengebung auf vielen seiner späteren Bilder“, kommentierte Carl von Lützow diesen Sachverhalt in einem Nachruf auf den am 23. August 1865 verstorbenen Künstler.

Waldmüller fand seine Sujets vorzugsweise bei Vertretern des Bauernstandes oder bei der außerhalb der Wiener Stadtmauern lebenden Bevölkerung. Deren Alltäglichkeiten und Feste, Freuden und Nöte verewigte er in zahlreichen Ansichten. Desgleichen zeigen Darstellungen von Kirchgängen, betenden Kindern oder Wallfahrten, wie sehr die Religiosität im Alltag der bäuerlichen Bevölkerung verankert war. Szenen aus dem Bürgertum sind kaum zu finden. Dagegen war er sehr empfänglich für das Aufspüren von Ausgrenzung, Ungerechtigkeit und sozialen Missständen. Darstellungen wie Der Notverkauf (1859, Staatsgalerie Stuttgart) oder Die Delogierung (1859, Staatliche Kunstsammlungen Dresden, Gemäldegalerie Neue Meister) weisen auf die Schattenseiten des Lebens. Auch veranschaulichte er die Ausbeutung des Menschen, griff brisante Themen wie etwa Kinderarbeit auf und schuf mit dem Bild Die erschöpfte Kraft (1854, Belvedere, Wien) das wohl trostloseste Gemälde des 19. Jahrhunderts. Daneben interessierten ihn Handwerksszenen, bevorzugt Tätigkeiten mit Feuer. In der österreichischen Malerei stellen diese Bilder ein absolutes Novum dar, wie es auch im internationalen Bereich in der Entstehungszeit nur wenige vergleichbare Werke gibt, etwa von Jean François Millet oder Gustave Courbet sowie den Präraffaeliten in England.

Ferdinand Georg Waldmüller

Ferdinand Georg Waldmüller
Ausstellungsansicht
Foto: Eva Würdinger

Ferdinand Georg Waldmüller

Ferdinand Georg Waldmüller
Ausstellungsansicht
Foto: Eva Würdinger

Ein Überblick über Waldmüllers Werk zeigt, wie flexibel der Maler bis ins hohe Alter geblieben war, denn selbst da erlaubte er sich kein Stagnieren. Er war ständig bereit, sich selbst zu hinterfragen und zu überrunden. Bis an sein Lebensende zog er hinaus ins Freie und malte prächtige Ansichten, in denen Mensch und Natur in friedvoller Harmonie vereint sind. Eine rege Ausstellungsbeteiligung brachte ihm zudem Anerkennung im Ausland und bestärkte ihn in der Überzeugung, sich auf dem richtigen Weg zu befinden.

Die Ausstellung ist in Kooperation mit dem Musée du Louvre, Paris entstanden, wo diese im Frühjahr 2009 in kleinerer Form zu sehen war und wird von einem Katalog in deutscher und französischer Sprache begleitet.

Bildmaterial © die jeweiligen Besitzer

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Oberes Belvedere, Wien

Intervention: Christian Hutzinger
24. April bis 20. September 2009

Zweimal jährlich werden im Rahmen der 2007 initiierten Ausstellungsreihe Intervention österreichische Künstler eingeladen, ihre Arbeit in Bezug zur Architektur, zur Geschichte und zur Sammlung des Belvedere zu setzen.

Nach Gudrun Kampl, Brigitte Kowanz und Franz Kapfer zeigt heuer der Wiener Christian Hutzinger im Orchestergang des Oberen Belvedere eine für den Raum konzipierte Wandmalerei.

Christian Hutzinger

Christian Hutzinger
Ohne Titel, 2009
Wandmalerei
© VBK, Wien 2009
Foto: Wolfgang Woessner

Der sogenannte Orchestergang wurde unter Erzherzog Franz Ferdinand (1863-1914) zwischen dem Ost- und dem Westtrakt im zweiten Obergeschoss des Schlosses eingezogen. Zunächst diente der Gang als Verbindung des Wohnbereichs mit den Kinderzimmern. Bei festlichen Aktivitäten versammelten sich dort später kleine Orchesterformationen, um bei geöffneten Fenstern Musik im Marmorsaal erklingen zu lassen.

From April onwards, Christian Hutzinger is going to present a wall painting conceived especially for the Upper Belvedere’s Baroque orchestra corridor.

In seiner Malerei geht Christian Hutzinger zunächst von der geschlossenen Form aus, die er mittels Variation und Wiederholung in Formgruppen neu organisiert. Kreise, Quadrate, Rechtecke oder Streifen, Schleifen und Knoten entwickelt er mittels gedeckter Farbflächen, deren Ränder den Grundton aufnehmen, diesen intensivieren oder abschwächen. Die Form ist bei Hutzinger oft Derivat einer architektonischen oder baulichen Gegebenheit. Entlüftungsrohre, Heizkörper, Fensternischen oder wie hier Blattwerk und Fensterbeschläge liefern das Formenvokabular für eine abstrakte, gänzlich mit der Fläche operierenden Malweise. Die Fenster des Orchesterganges, deren Rahmen leicht geschwungen sind, definieren den Raum. Indem Hutzinger die Rahmen farbig einfasst, markiert er ihre geometrische Grundform und eignet sie sich als ornamentals Formelement an. Die Wiederholbarkeit, die auch in der Serialität der Fenster angelegt ist, weitet er auf eine flottierende Verfügbarkeit der Formen aus. Kennzeichnend für dieses Formenspiel ist die Überblendung abstrakter Formen mit einer organisch und molekular motivierten Bildsprache, wie sie in den 60er und 70er Jahren entwickelt worden ist. Diese Zwitterformen, die weder autonom noch beschreibend sind, überziehen die mit knalligem Blau überzogenen Wände des Orchesterganges

Die architektonische Besonderheit des Ganges, die sich aufgrund der unterschiedlichen Raumhöhen ergibt, akzentuiert Hutzinger, indem er die beiden Stirnwände weiß lässt und damit eine schlauchartige Wandhülle herstellt.

Christian Hutzinger

Christian Hutzinger
Ohne Titel, 2009
Wandmalerei
© VBK, Wien 2009
Foto: Wolfgang Woessner

Christian Hutzinger

Christian Hutzinger
Ohne Titel, 2009
Wandmalerei
© VBK, Wien 2009
Foto: Wolfgang Woessner

Christian Hutzinger

Christian Hutzinger
Ohne Titel, 2009
Wandmalerei
© VBK, Wien 2009
Foto: Wolfgang Woessner

Images© VBK, Vienna 2009

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Stampfli & Turci – Art Dealers

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Hamburger Kunsthalle

The Arena of Ridicule
English Caricatures 1780–1830
5 July > 27 September 2009

The period between 1780 and 1830 is considered the “golden era” of English caricature. During this time the genre first became recognised as an art form, which against the backdrop of the struggle for freedom of the press bore a strong influence on social and political opinion in Great Britain. Artists unsparingly parodied developments in day-to-day politics and social issues, wielding their innovative, trenchant means of expression to create an “arena of ridicule”.

James Gillray

James Gillray (1756-1815)
The King of Brobdingnag, and Gulliver , 1803
Radierung und Aquatinta, aquarelliert
291 x 231 mm (Blatt)
© Hamburger Kunsthalle/bpk
Photo: Christoph Irrgang

In contrast to earlier satirical scenes or caricature portraits, English caricaturists of this period saw their work as a socially relevant genre of high artistic worth. The complexity and appeal of their prints is manifested particularly in their combination of motifs from art history and popular culture. This thematic blend paved the way for new means of artistic expression: a vivid and often drastic pictorial language emerged, which was further heightened through hand-colouring of the prints. The lampooned victims and prevailing conditions were pitilessly unmasked and denounced to a scornful audience. The aesthetic and historical significance of English caricature lies in its scathing manner of depiction and public exposure of its subjects.

In their humorously satirical yet mordantly aggressive visual style, the caricaturists addressed a broad audience in prints, which were made available to all levels of society through displays in print shops. The exhibition shows precisely how much the development of caricature in England was influenced by the new sense of identity of an increasingly politicised public. Artists commented on changing social conditions in the era of the French Revolution and the Napoleonic Wars, generating new images for the people and its representatives. Special attention was focused on modern forms of public selfpresentation adopted by politicians and private individuals.

James Gillray

James Gillray (1756-1815)
The Handwriting upon the Wall, 1803
Radierung, aquarelliert, 253 x 356 mm (Platte)
© Hamburger Kunsthalle / bpk
Photo: Christoph Irrgang

James Gillray

James Gillray (1756-1815)
Monstrosities of 1799 – Scene,
Kensington Gardens, um 1799
Radierung, aquarelliert
258 x 360 mm (Platte)
© Hamburger Kunsthalle / bpk
Photo: Christoph Irrgang

Altogether eight artists will be shown in the exhibition. It will include numerous works by James Gillray and Thomas Rowlandson, the first major exponents of English caricature, by George Cruikshank, their foremost successor, and by the artists Isaac Cruikshank and Richard Newton. Most of the exhibits are in the possession of the Hamburger Kunsthalle.

George Cruikshank

George Cruikshank (1792-1878)
The Umbrella, 1820
Radierung, aquarelliert, 250 x 190 mm (Blatt)
© Hamburger Kunsthalle / bpk
Photo: Christoph Irrgang

An exhibition catalogue has been made possible by the “Freunde der Kunsthalle” and will be available in the Museum Shop or online from www.freunde-der-kunsthalle.de.

Images © Hamburger Kunsthalle / bpk

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Palais des Beaux-Arts

L’union fait la forme
21.07 > 30.08.2009

Noir, jaune, rouge : les trois couleurs nationales sont-elles encore les couleurs de Belgique ? Le commissaire Jean-Marie Stroobants les a en tout cas déposées sur la palette créatrice d’un beau panel de plasticiens. À charge pour eux de s’en servir pour dessiner les contours d’une nouvelle identité contemporaine. Forcément haute
en couleurs !

Manuel Alves Pereira

Manuel Alves Pereira
Titre : Meer Lumière
Année : 2007
Technique : photographie diasec
© Tous droits réservés

Bruxelles, ma ville, un 21 juillet, jour de fête nationale. Un jour férié. Un jour de repos prescrit par la loi. Comme un dimanche chômé pour tous selon la loi du 18 germinal an X. Je déteste les jours fériés, je ne suis pas en empathie avec le 7 e jour de la semaine. Je vis pour la cinquante troisième fois le 21 juillet à Bruxelles. Je m’y suis toujours emmerdé. Rien pour nourrir mes yeux. Sauf des drapeaux accrochés aux balcons et aux fenêtres des maisons. Des drapeaux noirjaunerouge avec pour devise « L’union fait la force ». Moi j’ai toujours refusé de bâtir mon identité et de m’unifier dans la force. Cela a pour conséquence que je me sens dans ce pays comme une valise à l’aéroport dont personne ne vient réclamer la propriété. En outre, plastiquement j’aurais préféré un drapeau arc-en-ciel, les couleurs y sont bien plus subtiles. Mais chez nous le ciel est rare, il a la plupart du temps la couleur de la mer du nord. Tout au bout il n’y a pas d’horizon ; il y a une absence fondamentale de présence. Vivant dans un pays où ceux qui savent ne le font pas savoir, j’ai décidé d’inviter une quinzaine de plasticiens qui en plus de nous offrir de nouvelles œuvres nous font part de leurs réflexions citoyennes. Lisons ce qu’ils écrivent et défilons, ce 21 juillet, jusqu’à l’Office d’Art Contemporain rue de Laeken.

Jean-Marie Stroobants

Jacques Dujardin

Titre : L’union fait la forme
Année : 2006
Format : 10,5 x 15 cm
Technique : photographie (carte postale)
© Tous droits réservés

Juan Paparella

Juan Paparella
Titre : « Phaetusa simplex »
Année : 2000 / 2007
Format : 100 x 150 x 6 cm
Technique : photographie collée sur aluminium
© Tous droits réservés

Daniel Locus

Daniel Locus
Titre : Circonviction # 1
Année : 2007
Format : 76 x 135 cm
Technique : tirage Fuji crystal archive / aluminium
© Tous droits réservés

Images © Leurs auteurs respectifs

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• Palais des Beaux-Arts, Bruxelles

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Hamburger Kunsthalle

Arena des Spotts
Englische Karikaturen 1780-1830
5. Juli > 27. September 2009

Die englische Karikatur zwischen 1780 und 1830 zählt zu den Höhepunkten dieser Gattung. Während dieser Zeit etablierte sie sich erstmals zu einer anerkannten Kunstform, die vor dem Hintergrund der Pressefreiheit in Großbritannien den gesellschaftlich-politischen Meinungsbildungsprozess stark mitprägte. Schonungslos persiflierten die Künstler tagespolitische Ereignisse sowie gesellschaftliche Themen und schufen mit neuen, schlagkräftigen Ausdrucksmitteln eine „Arena des Spotts“.

James Gillray

James Gillray (1756-1815)
The King of Brobdingnag, and Gulliver , 1803
Radierung und Aquatinta, aquarelliert
291 x 231 mm (Blatt)
© Hamburger Kunsthalle/bpk
Photo: Christoph Irrgang

Anders als die ältere szenische Bildsatire oder die Porträtkarikatur verstanden die englischen Karikaturisten ihre Werke als eine gesellschaftlich relevante Gattung mit künstlerischem Anspruch. Die Komplexität und Attraktivität ihrer Arbeiten zeigt sich gerade in der Verbindung von kunsthistorischen und populären Motiven. Durch diese Verflechtung wurden neue künstlerische Ausdrucksmittel entwickelt: Eine expressive, häufig auch drastische Bildsprache entstand, die durch die Kolorierung der Druckgraphiken noch verstärkt wurde. Erbarmungslos wurden die karikierten Opfer und die aktuellen Verhältnisse demaskiert und einem spöttischen Publikum preisgegeben. In ihrer bissigen Darstellungsweise und der öffentlichen Bloßstellung der Inhalte besitzt die englische Karikatur ihre ästhetische und historische Bedeutung.

Mit der humorvoll-satirischen wie auch anklagend-aggressiven Bildsprache wandten sich die Karikaturisten in ihren Blättern, die in Graphikhandlungen allen Gesellschaftsschichten zugänglich waren, an eine breite Öffentlichkeit. Die Ausstellung zeigt, wie relevant gerade das neue Selbstverständnis einer sich politisch begreifenden Öffentlichkeit für die englische Karikatur war. Die Künstler nahmen Bezug auf eine gewandelte Gesellschaft in Zeiten der Französischen Revolution und der Napoleonischen Kriege und prägten zugleich neue Bilder für das Volk und seine Repräsentanten. Ein besonderes Interesse galt dabei den modernen Formen der öffentlichen Inszenierung von Politikern und Privatpersonen.

James Gillray

James Gillray (1756-1815)
The Handwriting upon the Wall, 1803
Radierung, aquarelliert, 253 x 356 mm (Platte)
© Hamburger Kunsthalle / bpk
Photo: Christoph Irrgang

James Gillray

James Gillray (1756-1815)
Monstrosities of 1799 – Scene,
Kensington Gardens, um 1799
Radierung, aquarelliert
258 x 360 mm (Platte)
© Hamburger Kunsthalle / bpk
Photo: Christoph Irrgang

Insgesamt sind acht Künstler in der Ausstellung vertreten. Zahlreiche Arbeiten stammen von James Gillray und Thomas Rowlandson, den ersten bedeutenden Vertretern der englischen Karikatur, sowie von George Cruikshank, ihrem wichtigsten Nachfolger, und von den Künstlern Isaac Cruikshank und Richard Newton. Die meisten Exponate kommen aus dem Bestand der Hamburger Kunsthalle.

George Cruikshank

George Cruikshank (1792-1878)
The Umbrella, 1820
Radierung, aquarelliert, 250 x 190 mm (Blatt)
© Hamburger Kunsthalle / bpk
Photo: Christoph Irrgang

Die Freunde der Kunsthalle haben das Erscheinen eines Ausstellungs-Kataloges ermöglicht, erhältlich im Museumsshop oder unter www.freunde-der-kunsthalle.de.

Bildmaterial © Hamburger Kunsthalle / bpk

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Deichtorhallen Hamburg [Germany]

Cecily Brown
April 25 – August 30, 2009

The Deichtorhallen Hamburg present the artist’s first comprehensive exhibition in Europe. The show comprehends 48 works from 1998 – 2008.

Cecily Brown

Cecily Brown
Summer Love, 2000
Oil on canvas. 190.5 x 228.6 cm. (75 x 90 in.).
© Cecily Brown. Courtesy Thomas Holdings Inc. Collection

The painter Cecily Brown (born in 1969), London-based but living in New York, mostly chooses erotic motives for her large-format canvases, which she nearly abstracts to such an extent that they dissolve into pure chromaticity. Her energetic pictures, working on the borders between abstraction and figuration, have been one of the most distinctive positions in current painting since around 10 years.

Her works are collected by the most renowned museums of the world, such as Tate Britain, and the artist is considered the shooting star of a new expressive painting. “I use erotic photography to study the human body. What interests me is the emotional matter of these patterns”, Cecily Brown says.

Cecily Brown

Cecily Brown
Canopy, 2003-4,
Öl auf Leinwand/Oil on linnen, 203,2 x 203,2 cm/ 80 x 80 inches
© Cecily Brown. Courtesy Gagosian Gallery

Cecily Brown

Blick in die Ausstellung „Cecily Brown“ Deichtorhallen Hamburg April 2009.
Cecily Brown:” „Ha Ha Fresh” 2006, Öl auf Leinwand, 195,6 x 279.4 cm
© Alle Rechte vorbehalten

Brown’s vigorous and tactile oil paintings evoke the breadth of human experience, particularly the emotions associated with touch, pleasure, and passion. Widely inspired by the history of painting, from the figurative orders of Nicolas Poussin, Edouard Manet, and William Hogarth to the heady abstract expressionism of Willem de Kooning, Brown brings to the conventions of the genre a bold and, at times, ribald femininity.

Throughout her oeuvre, Brown has repeated certain motifs yet ascribes them different significations over time. For example the tent form — a primary image in her work that she associates with childhood books and nomads as well as paintings by Picasso, Goya and Bosch—is, in the new work, layered with fresh imagery that obfuscates the original form in varying degrees.

In the densely worked scenarios of Brown’s most recent paintings, flickering figures are enfolded in vivid pastoral landscapes and vanitas settings. Throughout the Skulldiver paintings, she carefully maintains the tension between abstract formal qualities and immanent figurative content, while in the Sarn Mere paintings, she continues to expound on the cautionary narrative fragments and sinister psychological undertones of her Black Paintings. Inspired in part by Mary Webb’s Precious Bane (1924), the Sarn Mere paintings evoke an imaginary place, a lake where all manner of dark happenings transpire.

In Carnival and Lent, one of Brown’s largest paintings, her signature tectonic structure dissolves into a blur of activity where figures and faces can be glimpsed amidst the pure energies of the brush. Brown’s previously representational schemes are rendered almost abstract through an increasing fragmentation of forms, underscoring her belief that her paintings should not have fixed meaning but rather reflect the flux of being in the world.

Blick in die Ausstellung

Blick in die Ausstellung „Cecily Brown“ Deichtorhallen Hamburg April 2009.
Cecily Brown: “Aujourd’hui Rose” 2005
Foto: © Wolfgang Neeb. Courtesy Deichtorhallen Hamburg

Blick in die Ausstellung

Blick in die Ausstellung „Cecily Brown“Deichtorhallen Hamburg April 2009.
Cecily Brown: “Tripe with Lemons” 2004;
“The Adoration of the Lamb” 2005-2006;
“Keychains and Snowstorms” 2004 (v.l.)
Foto: © Wolfgang Neeb. Courtesy Deichtorhallen Hamburg

Although best known for her bravura large-scale work, Brown will show a series of jewel-like, small paintings, which she began as a means by which to interpret the role of human scale and perception in her fragmented subjects, using a variety of brushes and techniques. These smaller scale paintings, which usually remain untitled, are not studies or contingencies for larger paintings, but rather works in themselves where Brown explores and resolves ideas and forms that began to emerge in her larger work and acquire new significance in this format.

ImagesCourtesy Deichtorhallen Hamburg
Images © Their respective owners

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Morris Museum of Art, Augusta Georgia

William Christenberry: Photographs, 1961 – 2005
September 12 > November 8, 2009

William Christenberry Photographs, 1961–2005, a phenomenal retrospective exhibition of Christenberry’s Photographs, opens to the public at the Morris Museum of Art on September 16, 2009. The Morris Museum is the only Georgia venue hosting this exhibition.

William Christenberry

William Christenberry
Old House, near Akron, Alabama, 1964 (plate 100, 35mm)
© William Christenberry

“William Christenberry Photographs, 1961–2005 is an overview of the career of one of the South’s most important living artists,” said Kevin Grogan, director of the Morris Museum of Art. “Organized by the Aperture Foundation, this exhibition brings to Augusta a body of work like no other. No one has so scrupulously and attentively captured a sense of place and time in quite the way that Bill Christenberry has. He is a remarkable artist, as is proven by this extraordinary body of work. He is America’s Proust.“

Since the early 1960s, William Christenberry has plumbed the regional identity of the American South, focusing his attention primarily on his childhood home, Hale County, Alabama. Widely recognized as a pioneer in the field of color photography, Christenberry draws inspiration from the work of Walker Evans, while paralleling the work of such international practitioners as Bernd and Hilla Becher. Ranging from his earliest Brownie photographs to his later work with a large-format camera, William Christenberry Photographs, 1961–2005 is a survey of the artist’s poetic documentation of the Southern landscape and vernacular architecture that surrounded him as he grew up.

William Christenberry

William Christenberry
Rabbit Pen, near Moundville, Alabama, 1998 (plate 26, 8 x 10)
© William Christenberry

The exhibition, coupling never-before-seen photographs with images that are now iconic, reveals how the history, the very story of place, is at the heart of Christenberry’s ongoing project. While the focus of his work is the American South, it touches on universal themes related to family, culture, nature, spirituality, memory, and aging. Christenberry photographs real things in the real world—ramshackle buildings, weathered commercial signs, lonely back roads, rusted-out cars, whitewashed churches, decorated graves. Dutifully returning to photograph the same locations annually—the green barn, the palmist building, the Bar-B-Q Inn, among others—he has fulfilled a personal ritual and documented the physical changes wrought by every single year. Straddling past and present, Christenberry’s art suggests the gravity and power of the passage of time.

The exhibition is accompanied by a stunning monograph entitled William Christenberry, published by Aperture in cooperation with the Smithsonian American Art Museum. The book, a comprehensive survey, presents all aspects of the artist’s oeuvre as he intended it to be viewed and considered. More than half the work reproduced has not been previously published.

Courtesy The Morris Museum of Art
Images © William Christenberry

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• Morris Museum of Art, Augusta, Georgia
  

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Deichtorhallen Hamburg

Cecily Brown
25. April – 30. August 2009

Die Deichtorhallen präsentieren vom 25. April bis 30. August 2009 die erste große europäische Werkschau der in New York lebenden Malerin Cecily Brown (geb. 1969 in London). 48 Werke aus den letzten zehn Jahren werden in der Hamburger Ausstellung gezeigt.

Cecily Brown

Cecily Brown
Summer Love, 2000
Oil on canvas. 190.5 x 228.6 cm. (75 x 90 in.).
© Cecily Brown. Courtesy Thomas Holdings Inc. Collection

Browns energiegeladene Bilder an der Grenze von Abstraktion und Figuration zählen seit einigen Jahren zu den markantesten Positionen gegenwärtiger Malerei. Bekannt ist sie vor allem für ihre großformatigen Leinwände, in denen sie erotische Motive bis nahezu hin zur Auflösung in reine Farbigkeit abstrahiert.

Nur vier Jahre nach ihrem Abschluss an der Londoner Slade School of Fine Art tauchte Brown mit ihren erotischen Motiven als Enfant Terrible in der New Yorker Kunstszene auf und spaltet die Meinungen der Kritiker.

Die gestische Malweise der Künstlerin zeigt sich offensichtlich in ihren Bildern. So dynamisch und impulsiv, wie die 39-Jährige in ihrem New Yorker Atelier arbeitet, immer an mehreren Bildern gleichzeitig malend, erscheinen dem Betrachter die Werke. Figuren und Landschaften fließen rauschhaft und ekstatisch ineinander. In den jüngeren Bildern, die in den Deichtorhallen zu sehen sind, widmet sich Brown zunehmend – sich nie ganz von ihren erotischen Motiven abwendend – der Darstellung von Landschaften.

Inspiriert von verschiedenen Protagonisten der Malereigeschichte, beginnend beim ausgehenden Mittelalter bis heute, der figurativen Ordnung eines Nicolas Poussin, Edouard Manet und William Hogarth bis hin zum ungestümen abstrakten Expressionismus von Willem de Kooning, durchbricht Brown die Konventionen des Genres und sprengt mit ihren offensiven Arbeiten die männlich dominierte Bastion der zeitgenössischen Malerei. Bei der Erfindung ihrer eigenen Bildsprache nutzt Brown ihre Kenntnisse der Stile von Francisco de Goya, Joan Mitchell, El Greco, Hieronymus Bosch und Diego Velázquez.

Cecily Brown

Cecily Brown
Canopy, 2003-4,
Öl auf Leinwand/Oil on linnen, 203,2 x 203,2 cm/ 80 x 80 inches
© Cecily Brown. Courtesy Gagosian Gallery

Cecily Brown

Blick in die Ausstellung „Cecily Brown“ Deichtorhallen Hamburg April 2009.
Cecily Brown:” „Ha Ha Fresh” 2006, Öl auf Leinwand, 195,6 x 279.4 cm
© Alle Rechte vorbehalten

Daher hat Brown Erfahrungen in nahezu allen Genres der Malerei gemacht: von Figurstudien, Innenräumen und Landschaften über Rokoko-Portraits, Picknickszenen und Stillleben. 2005 fügte sich das traditionelle Motiv des Momento Mori und die Vanitas-Darstellung in ihr Werk ein. Zu sehen ist dies zum Beispiel in den 2005 entstandenen, doppeldeutigen Bildern „Aujourd’hui Rose“ und „Untitled (Vanity)“ , in denen zwei sich gegenüber sitzende Mädchen die Augenhöhlen eines Totenkopfes formen.

In Browns abstrakten Gemälden finden sich stets Andeutungen auf organische Formen und die Anwesenheit von Menschen, jedoch destilliert und manchmal nur durch leuchtendes Rosa, Rot, Orange und Ocker wiedergegeben.

„Eher interessiert mich die Sublimation. Ich liebe es, wie Francis Bacon über das Grinsen ohne die Katze spricht, nur das Gefühl ohne die Langweiligkeit des Ausdrucks… Figurative Bilder auf eine Art Kurzformel zu bringen und sie so direkt wie möglich zu vermitteln, das ist es, was ich schon immer beherrschen wollte. Ich will eine menschliche Präsenz in den Bildern, ohne diese ganz ausformulieren zu müssen.“

Cecily Brown

Browns ehemals figürliche Entwürfe werden durch zunehmendes Aufbrechen der Formen übersetzt ins nahezu Abstrakte. Dabei unterstreicht die Künstlerin, dass ihre Bilder keine festgelegte Bedeutung haben, sondern vielmehr den Fluss des Daseins reflektieren.

„Carnival and Lent“ (2008), mit 246,4 x 261.6 cm eines von Browns größten Bildern, löst sich in verschwommene Regsamkeit auf. Körper und Gesichter lassen sich inmitten der puren Energie der Pinselbewegung erkennen. Für das 2003 entstandene „Crapolette“ ließ sich Brown von Philip Gustons Auswahl an Rot und Rosatönen beeinflussen.

Blick in die Ausstellung

Blick in die Ausstellung „Cecily Brown“ Deichtorhallen Hamburg April 2009.
Cecily Brown: “Aujourd’hui Rose” 2005
Foto: © Wolfgang Neeb. Courtesy Deichtorhallen Hamburg

Blick in die Ausstellung

Blick in die Ausstellung „Cecily Brown“Deichtorhallen Hamburg April 2009.
Cecily Brown: “Tripe with Lemons” 2004;
“The Adoration of the Lamb” 2005-2006;
“Keychains and Snowstorms” 2004 (v.l.)
Foto: © Wolfgang Neeb. Courtesy Deichtorhallen Hamburg

Brown wird von bedeutenden Museen in aller Welt wie dem Solomon R. Guggenheim Museum, New York, dem Whitney Museum of American Art, New York oder der Tate Gallery, London gesammelt und gilt als Shooting-Star einer neuen expressiven Malerei.

Bildmaterial Courtesy Deichtorhallen Hamburg
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Idea Generation Gallery, London

John ‘Hoppy’ Hopkins: Against Tyranny
19th June > 19th July 2009

Counter-cultural incendiary of the 1960s and roving photojournalist John ‘Hoppy’ Hopkins charts Britain’s emergence from the age of austerity into an era of pop, protest and psychedelia.

John ‘Hoppy’ Hopkins

John + Rickenbacker
© John ‘Hoppy’ Hopkins, www.hoppy.be

Idea Generation Gallery presents a new exhibition of paraphernalia and photographs by veteran activist and revolutionary John ‘Hoppy’ Hopkins, many of which are being shown for the first time. Encompassing both the grand scale of mass rallies and the squalid intimacy of bedsit and backrooms of freaks, tearaways and bohemians, these electrifying images act as a record of 1960s London on the cusp of a new era, as the city shaped up for the struggle to redefine itself as a modern metropolis.

It was an exhilarating time and Hoppy was both protagonist and observer in the story, at the vanguard of a generation which broke radically with a conservative past. Founder of legendary psychedelic night club, UFO; cofounder of radical underground newspaper, The International Times; and photographer for Melody Maker, The Times and Peace News, he was well placed to record the revolution as it unfolded. This exhibition will uniquely feature rare copies of the International Times, and stunning psychedelic posters designed by Nigel Weymouth for the UFO.

Spanning a period of intense photographic activity, Hoppy’s images pull no punches and show an empire in decline, under attack from an unprecedented and rampant sub-cultural revolution that came roaring in from the shadows. Charged shots of Anti-Nuclear Rallies, Beat Poetry performances, LSD sessions and East End slums are born of an uncompromising belief in the transformative power of political activism, counter-culture and photography.

From raw revolution and clenched fists of protesters in Trafalgar Square, to posturing leather clad bikers and their chicks at the Ace Café, the power of his images derive from his proximity to the eye of the coming cultural storm.

John ‘Hoppy’ Hopkins

Mick ear
© John ‘Hoppy’ Hopkins, www.hoppy.be

John ‘Hoppy’ Hopkins

LSD meets CND 1
© John ‘Hoppy’ Hopkins, www.hoppy.be

Hoppy’s path to photography was not a direct one. In 1959 he set off as part of the Cheltenham Youth Campaign for Nuclear Disarmament and drove a funeral hearse to Moscow to protest against ‘the bomb’. He became separated from the group in Moscow and was eventually deported by the Russians to Finland, to the acute embarrassment of his employers, Harwell Atomic Research labs, where he worked as a reactor scientist.

Arriving in London on January 1st 1961, a portentous date for a man who was to become a driving force in this turbulent decade, he settled in West London where he rented out rooms to struggling artists. Hoppy worked as a news photographer for the Sunday Times, Melody Maker and Peace News and became a regular face at Ronnie Scott’s, and captured taking beautiful shots of great jazz legends Dizzy Gillespie, Thelonious Monk and Duke Ellington performing across London as well as Beat Poetry readings, Happenings, peace marches, and portraits of leading figures like Malcolm X, Martin Luther King and Allen Ginsberg.

Ever the inventor and alchemist of the ‘scene’ he also co-founded the world famous International Times, a radical underground newspaper which featured Germaine Greer and William Burroughs as contributors. The legacy of this publication is long lasting, and the exhibition features rare front covers from the magazine’s history.

John ‘Hoppy’ Hopkins

Tattooist 2
© John ‘Hoppy’ Hopkins, www.hoppy.be

Hoppy also famously worked with Joe Boyd to create The UFO club. The Tottenham Court Road venue was to become the lynch pin of psychedelic London and opened with performances from Pink Floyd and later played host to legendary bands like Procol Harum, Soft Machine and Jeff Beck.

‘Asleep for 30-odd years then rediscovered by accident, certain of the images from this brief 6-year period have now become iconic (recognised).’ Hoppy continues ‘Many more of them have not been seen before and are therefore perhaps more free from the historical accumulation of meaning than the iconics – at least for a little while. Then, word falling / image falling / lost in a dusty street half-covered in sand / the skein unravels / dust to dust.’

Images © John ‘Hoppy’ Hopkins, www.hoppy.be

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• John ‘Hoppy’ Hopkins, www.hoppy.be

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